论梵高的艺术(1).doc.deflate

摘 要

19世纪荷兰艺术家文森特·梵高是开创后印象派主义的代表画家之一，其作品极具个性特点，无论技法、抒发的情感以及表达的主旨都对西方20世纪的画坛有深远的影响。文章先简要介绍文森特·梵高的生平，并通过对其作品赏析来了解文森特·梵高的艺术特点，皆在探究文森特·梵高的艺术成就对后世艺术家的影响与启示。

关键词：文森特·梵高，后印象主义，个性特征

1

安顺学院2011届专科生毕业论文（设计）

目 录

一、引言„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„2 二、梵高的艺术思想及艺术风格„„„„„„„„„„„„„„„„3 三、色彩的狂欢：充分运用色彩联想和象征„„„„„„„„„„„5 四、笔触的厚重粗犷之美„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„6 五、注释„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„7

2

安顺学院2011届专科生毕业论文（设计）

论梵高的艺术

一、引言

文森特•梵高(VincentVan Gogh, 1853-10)是西方后印象主义画家阵营中的杰出代表之一。在他孤独而充满焦虑的一生中,在与偏见、贫穷和疾病抗争的过程中,留下了许多光辉的杰作。尤其在生命的最后三、四年里,他在创作上进入了黄金时代。那么,其绘画艺术的特色主要有哪些?隔着一个世纪的沧桑岁月,让我们主要通过重梵高作品来走近梵高的世界,对一些问题进行初步探讨。

梵高是一位极具个性化的艺术家。他没有经过所谓的正规学院派的系统培训。梵高曾为弄到画布、油彩和画具而日复一日地奔波劳碌，他在精神上、情感方面也不断处于困扰状态，为追求艺术的完美而承受着重重压力，这些即使不是他后来罹病的直接原因，也给他的生活悲剧埋下了祸根。 梵高着意于真实情感的再现，也就是说，他要表现的是他对事物的感受，而不是他所看到的视觉形象。梵高把他的作品列为同印象主义画家的作品不同的另一类，他说：“为了更有力地表现自我，我在色彩的运用上更为随心所欲。”其实，不仅是色彩，连透视、形体和比例也都变了形，以此来表现与世界之间的一种极度痛苦但又非常真实的关系。梵高从来没有放弃他的信念：艺术应当关心现实的问题，探索如何唤醒良知，改造世界。梵高自杀年仅三十七岁，作为一位艺术家，直到死前不久他才以其震憾人心而富于想象力的绘画赢得评论界的赞扬。梵高死后不出几年，一些画家就开始模仿他的画法，为了表现强烈的感情，可以不对现实作如实的反映，这种创造性的态度被称作表现主义，并且证明是现代绘画中一种历久不衰的倾向。

梵高在他的艺术中热衷于表现他们平凡而艰苦的劳动生活。他多使用富于激情表现的色彩，以及具有运动感的、连续不断的、波浪般急速流动的笔触，构成他绘画的特色。他把印象派的艺术方法，尤其是在色彩和对事物的形体塑造上的方法，发展到更加于传统之外的地步。在他的作品中充满着对善良、对美和对创作想象自由的渴望，直至今天，梵高仍然活在艺术世界中。梵高的代表作品有：早期创作的作品《吃土豆的人》后期创作的作品《向日葵》《星夜》及《邮递员》等。

通过学习西方美术史，我系统地了解到了西方美术的发展脉络和历史轨迹，从原始绘画的岩洞壁画，到文艺复兴时期的艺术再到后来的巴洛克①、咯可可②再后来的现实主义画派、浪漫主义画派、印象主义画派，尤其是后印象派主义这些都使我对西方绘画史有了更为全面的认知。

3

安顺学院2011届专科生毕业论文（设计）

文森特·梵高生性善良，热爱生活，但在生活和情感上屡遭挫折，艰辛倍尝。他追求艺术、献身艺术，大胆创新。在广泛学习前辈画家伦勃朗等人的基础上，梵高吸收印象派画家在色彩方面的经验，并受到东方艺术，特别是日本版画的影响，形成了自己独特的艺术风格，创作出许多洋溢着生活激情、富于人道主义精神的作品。

梵高在中年时期与好友高更到法国南部的阿尔写生作画，这是他艺术风格形成的最重要的时期。阿尔的强烈阳光和阳光照耀下的植物、建筑，都对梵高在作画时的色彩运用产生了深刻的影响和启发,这也使得梵高的艺术创作进入到高峰期。但后来因两人意见不合，梵高被迫离开，他的精神状况也开始逐渐恶化。不久梵高精神病发病后，病情时好时坏，时重时轻，一次次住进医院。而就在这个时候，奇迹出现了，梵高的绘画竟然突飞猛进，风格迅速形成。在经过圣雷米的德莫索尔精神病院的长期住院治疗，病势稍有好转后，梵高回到巴黎，住在瓦兹河畔的奥韦尔，接受伽塞医生的专门治疗，并勤奋作画，作有《伽塞医生肖像》、《奥韦尔的教堂》等。但是，在一次同伽塞医生发生争吵之后，梵高在麦田里开自杀，结束了自己的生命。梵高最初的作品，情调常是低沉的，可是后来，他大量的作品即一变低沉而为响亮和明朗，好像要用欢快的歌声来慰藉人世的苦难，以表现他心中的苦闷、哀伤、同情和希望。梵高最著名的几幅作品，如《向日葵》《星夜》《麦田群鸦》等，大都是在他生命最后的六年中完成的。透过这些作品，我们可以看到一个更加真实的梵高，更加理解画家的精神和思想。

二、梵高的艺术思想及艺术风格。

在其几十年艺术生涯中，曾经辗转过多个地方。他不得不向流浪汉一样到处漂泊，在艰难的岁月里梵高不知疲倦地探索大自然，思考着对象身体本质的东西，在画布上深情地倾诉着其独特的美。他把自己看作是农民画家，他喜欢平民的一切：向日葵、麦田甚至还有那鸢尾花、豌豆花和橄榄树等。

在画这些朴实、散发着泥土气息的题材时，他显得那么自如、得心应手。他多次画过向日葵，虽然花朵的数目不一样，但这些静物却无不洋溢着生命的热烈、饱满和劲头。在18年写给弟弟提奥的信里，梵高也数次提到向日葵。他谈到高更向他要一幅《向日葵》的画，梵高认为高更拿走了他之前两幅《向日葵》应该知足，所以他决定不在送给高更。他把两幅《向日葵》送给提奥和他未婚妻。显然，梵高对自己画的向日葵非常钟爱。高更也非常迷恋梵高的向日葵。而高更还仿制过梵高画的向日葵。

此外，梵高还画过许多许多的麦田，传达着他心灵的声音，当我们面对梵高在奥维尔所作的《乌云笼罩下的麦田》一画时，这种感觉更加强烈，梵高曾经说过：“我画的是在恶劣天气里连绵不绝的大片麦田，没有必要刻意去表达什么，它们会自动呈现那种

4

安顺学院2011届专科生毕业论文（设计）

忧伤和极度的孤寂感。”画面传递出一种凄凉和不安、寂寞和压抑交织在一起的感觉，暗示了内心的不平静和苦闷。

在弟弟提奥的支持下,自27岁起梵高正式走上绘画道路,在其十年艺术生涯中,曾辗转于海牙、德莱塞、纽南、安特卫普、巴黎、阿尔、圣雷米精神病院、奥维尔等地,绘画始终是他的精神支撑。虽然有时不得不像流浪汉一样到处漂泊,但艰难的岁月里梵高不知疲倦地探索着大自然,思考着对象身上本质的东西,在画布上深情地倾诉着其独特的美。他对他眼中的文明人——农民怀有深厚的感情,并把自己看作农民画家,他还热衷于在野外写生。他喜欢平民的一切:向日葵、麦田、甚至还有那鸢尾花、豌豆花、丝柏和橄榄树等。在画这些朴实、散发着泥土气息的题材时,他显得那么自如、得心应手。他多次画过向日葵,虽然花朵的数目不一,但这些静物无不洋溢着生命的热烈、饱满和劲头。他在给弟弟的信中评价自己的两幅《向日葵》时说:“这样的画能够改变人的眼睛,长时间地注视它的时候,它会自动地呈现出自身的丰富性来。你知道芥南的芍药,科斯特的蜀葵,那么,我的就是向日葵。”他还写道:“如果蒙特切利画的花束对收藏家来说,值五百法郎,那么,对于那些苏格兰人和美国人而言,我画的向日葵也值五百法郎。”在阿尔,他还特意用自己心爱的油画向日葵来装饰预留给高更的房间,白墙上有大束的由12朵和14朵组成的黄色向日葵。及至后来高更离开阿尔后,在18年写给弟弟提奥的信里,梵高也数次提到向日葵。他谈到高更向他要一幅《向日葵》的画,然而梵高认为自己绝对要留住自己的《向日葵》,并认为高更在巴黎拿走了两幅《向日葵》应该知足了。他把两幅画送给提奥和提奥的未婚妻。显然,梵高对自己画的向日葵非常钟爱。高更也非常迷恋梵高画的向日葵,并谈到自己看到过克洛德•莫奈画的一个日本大花瓶里的向日葵,认为莫奈画的非常好,但是他更喜欢梵高画的向日葵。他不仅画过正在画向日葵的梵高,而且还仿制过梵高画的向日葵。

此外,梵高还画过许多许多的麦田,传达着他心灵的声音。他坚持在一天中最热的时候去画麦田,画麦田上的太阳和麦田里不同劳动状态的人。他说:“我渐渐地学会了对折磨和痛苦一笑置之,尽管如此,希望总是渺茫。而在生活中,我们将发现痛苦的真正原因,它时常弥漫在地平线上,形成一种绝望的灾难,我们却对此知之甚少。最好还是低头傻看麦田,即使是在画中。”从这些话里,我们感受到黄、明亮的麦田里似乎散发着丝丝的悲怆。当我们面对梵高在奥维尔所作的《乌云笼罩下的麦田》一画时,这种感受更加强烈。梵高曾经说过,“我画的是在恶劣天气里连绵不绝的大片麦田,没有必要刻意去表达什么,它们会自动呈现那种忧伤和极度的孤寂感。”画面传递出一种凄凉和不安、寂寥和压抑交织在一起的感觉,暗示了内心的不平静和苦闷。在《有乌鸦的麦田》一画中,同样也自动呈现

5

安顺学院2011届专科生毕业论文（设计）

出灵魂深处一种深深的绝望、沉寂。看着这幅满是悲怆压抑气氛的画,观者的心仿佛也跟着沉下去了,沉在无边的悲怆和绝望情绪里,甚至忘记了绘画和生活的距离。

三、色彩的狂欢:充分运用色彩联想和象征

在法国南部阳光异常强烈的阿尔,梵高的色彩灵感被大大激发,他不断地用色彩对阳光、阳光下的一切进行大胆、任性地表现。他非常擅长运用黄色和蓝色,尤其是他所作的《向日葵》中,色彩的明度和纯度都很高,弱化光影,线条有力、简括,具有很强的视觉冲击力。但这并不意味着他不重视素描。他曾说:“据我所知,一幅水彩画的四分之三要依靠最初的素描稿,素描的质量几乎决定整幅水彩画,”“素描是油画的基础”。在学画的程中,他也曾总结自己的作品说“使用颜色已经更加有把握,而且更加准确,技术上更加有个人的特点了”。而且,他还指出:“未来的画家将是善于运用色彩的画家。”梵高也非常重视画面的调子,常常大面积使用对比色来构成画面。他曾这样评价米勒作品的调子:“关于米勒的肖像画,有一种说法是很有代表性的:‘他画中的农民,像是用他播种的土地画出来的。’说得多么正确,多么实在。懂得在调色板上调配出说不出名称,但却是每种东西的基础的颜色是多么重要。”由此可见他对色调的重视。在《吃土豆的人》一画中,他还在画面里运用了那种“满是尘土、没有削过皮的新土豆的颜色”。他还不断思考着如何在色调方面进行创新的问题。“比如利用两种颜色的互补与衬托,利用色调的深浅变化来表现一对情人之间的爱情;通过幽静背景烘托的浅淡色彩来表现思索的表情;通过星星来表现希翼;利用夕阳下的霞光来表现人的热情。”显然,这种创作方法区别于写实主义和自然主义。在著名的《夜间咖啡店》中,他巧妙地运用了互补色,“试图表现咖啡屋是个使人堕落、发疯和犯罪的地方,试着用红色和绿色来表现人的疯狂”。在谈到对农民画的见解时,他还提到了属于我们通常所说的联觉的效果。比如:从视觉通向嗅觉,“一幅把农民画成油光水滑的画,在我看来也是错误的。假如在一幅农民画上闻到熏腊肉的烟味,煮熟了的土豆的气味,那是健康的”。当然,对他而言,绘画就是要画出对象的本性和生活。他以表现在画面上的事物为起点,通过观者大脑联想的加工,使画面的有限事物潜在地通向画外的相关生活。梵高还提出了“色彩联想”的问题。在画自己的卧室时,他“以极简单的色调赋予物品以华丽的风格,色彩起了很大作用,使人想到休息或睡眠”。此外,在10年写给高更的一封信中,梵高还谈到了一个想法:想画些麦田,在活泼但宁静的背景上,“想画些肖像,用各种不同的绿,明度相同形成一片绿,借着颜色的颤动,让人想起麦穗在微风中摇晃的悦耳声响”,当然,如他所言,在色彩处理方面显得太难。甚至,在美丽得“使人惊讶”的阿尔,梵高本能地由色彩联想到音乐,觉得二者之间有许多相通的东西。

在注重写生观察的基础上,梵高还探索了在绘画中运用光线进行象征的问题,“想利

6

安顺学院2011届专科生毕业论文（设计）

用常见的光线作为象征,描绘男人和女人,通过色彩的放射和震动来表现某种永恒的东西”。他还尝试用特定的色彩组合效果进行象征。在为一位怀有伟大梦想的画家朋友画肖像时说:“我要在画中表现出我的赞赏以及对他的爱,所以要尽可能地画出他本来的面目。„„我用夸张的手法描绘了他美丽的头发,甚至采用了橙色、铬色和柠檬黄,我还用一片浓重的蓝色使房间成为开阔而深邃的背景,衬托出色彩鲜艳的头部。通过如此简单的组合,画上情景却突现了一种近乎神秘的效果,就像是蔚蓝色天空的深处突然闪现了一颗明星。”而在另一幅农民肖像里,他采用了同样的方法。但是,这种用于象征富有天分的艺术家朋友的明星和神秘星辉显然不适用于象征这位农民,所以他说:“只有把他投入南方炎热的收获季节深处,这个形象才会强烈得犹如橘黄色阴影里火红闪亮的铁。因此,我在阴影里使用了古老但灿烂的金色。”尽管梵高在生前一直不被社会承认,但是,在他的许多画中没有太多陈规陋俗的桎梏,没有太多的理性计量和肢解,涌现着一种质朴而又绚丽夺目的美——远比实物更深刻强烈的色彩之美、自由之美。他喷涌的色彩里蕴藏着的前所未有的震颤人类心灵的强大力量。

四、笔触的厚重、粗犷之美

他在世时，被视为做什么事都失败的人，视为疯子。然而，这一连串的失败并没有把他，他还是倾尽自己的生命，来爱，来描绘这个世界，纵然这个世界把他遗弃。 这个不善言辞的人，把他的心，他整个的生命，他一生想要说的话，想要表达的情感都一笔笔绘在画板上。人们看到他对生命的渴望，对这个世界的爱。看到他的梦，那个像他笔下的天空那么蓝的梦。看到了他的躁动，他的强烈的要爆炸，要挣脱这个世界的束缚的渴望。 他总是力图用色彩来揭示精神，用笔触来传递情感，他曾说过：“我想画上半打的《向日葵》来装饰我的画室，让纯净的铬黄，在各种不同的背景上，在各种程度的蓝色底子上，从最淡的维罗内塞的蓝色到最高级的蓝色，闪闪发光；我要给这些画配上最精致的涂成橙黄色的画框，就像哥特式教堂里的彩绘玻璃一样。以极大的狂热投身于印象派绘画色彩的表现和其他形式方面的实验中去。从此梵高的油画开始明亮起来，多使用鲜艳和火辣辣的色彩，以及具有运动感的、连续不断的、波浪般急速流动的笔触，构成他绘画的特色。他把所描绘的对象，当作表现自己热烈激动的主观感情的媒介、当作表现自己独特艺术手法的媒介，以表达他的主观感受和激情。

结合梵高的作品，我们可以看到：正因为没有受到过专业院校的科班训练，梵高的画常随着心灵的飞翔在构图、色彩和线条上“随心所欲”。他崇尚朴质的手法，而且从不拘泥于流俗，用画笔使画面充满情感的张力。

梵高深受到德拉克洛瓦、米勒等人的人物画及色彩理论的影响。他还曾受到浮世绘

7

安顺学院2011届专科生毕业论文（设计）

版画的影响。但是，他清楚自己的优点和缺点，而自己关于伟大艺术的理解，绝不轻易受到别人的影响，并能对一些指责“不以为然”。这充分反映了他一直在中行寻找自己的艺术之路，他的品格为他赢来了非凡的艺术风格和效果。

梵高对线条的使用是娴熟的、敏锐的，在谈到肖像画时，他说“它的基础多半要靠笔触直接去塑造”，从而使肖像有空间感，使肖像的周围有空气流动的感觉、有光落在肖像上边。可见，笔触对于人物形象塑造的重要性。在《星月夜》这幅名作中，天空中是奔涌着的、巨大的波浪形成的云团，星星和月亮旋转着发出异样的光彩。大地上丝柏树冠火焰不安分地升腾。梵高通过个性画的笔触塑造，有力地传达出神秘、不安和极为惊惧的意味。总之，他把油画中的色彩和线的表现力提高了一个新的境界。

勇于冒险的人往往选择伟大的痛苦，而不愿再琐碎的事物中沉沦。在生活和艺术之间，梵高选择了后者，并发出了“完成一幅优秀的画与找到一枚钻石一样难”这样的感叹。为了艺术，梵高把苦难都融融入了忘我的创作，痴痴地表达他喜爱的题材：向日葵、麦田等，用他喜欢的对比色效果，用他有力、迅速的笔触。

他在绘画上的影响是深远的，当代著名画家吴冠中先生曾经说过：“除了来自绘画本身的美以外，更多的是由于他火热的心与对象结成不可分割的整体，他的作品能打动人的心灵。”

五、注释：

①巴洛克：来至《外国美术史及作品鉴赏》第二章1页第一节第二段。巴洛克一词的来

源可能有三: 意大利语的baroco，指中世纪繁缛可笑的一种神学讨论；意大利语的barocchio，指暧昧可疑的买卖活动；葡萄牙语的barocco，指畸形的珍珠。三词皆含悖礼怪奇之意，因此从十八世纪的建筑师责难十七世纪那种复杂而考就的样式，生气地称它为「荒谬的、奇怪的、巴洛克的」称呼之后，巴洛克这一词就被相沿成习了。学术研究中，确定巴洛克艺术地位的是德国艺术史家沃尔夫林(H.wofflin)，他的著作《文艺复兴与巴洛克》（1888）、《美术史原理》（1915），前者指出巴洛克是继文艺复兴之后的主要流派，并对其形式特点作了分析和历史考察。后者认为巴洛克风格可作为每一文化或文明进入后期阶段的特征，使之具有更为普遍的意义

② 洛可可：来至《外国美术史及作品鉴赏》第二章211页第二节第3段洛可可风格 起源于18世纪的法国，最初是为了反对宫廷的繁文缛节艺术而兴起的。洛可可Rococo这个字是从法文Rocaille和意大利文Barocco 合并而来。Rocaille 是一种混合贝壳与小石子制成的室内装饰物，而Barocco 即巴洛克（Baroque）。洛可可后来被新古典主义取代。

8

安顺学院2011届专科生毕业论文（设计）

参考文献：

《梵高传》——欧文·斯通 《现代艺术札记》——何太宰选编 《画布上的声音》——聂作平

《外国美术史及作品鉴赏》第二版----《外国美术史及作品鉴赏》教材编写组 9